Emil Marie Küpper, más conocido como Theo van Doesburg, nació en Utrecht #taldíacomohoy de1883 y fue una de las figuras fundamentales en el desarrollo del neoplasticismo holandés, tanto en pintura como en arquitectura.

De formación autodidacta, realizó en sus primeros años obras ligadas al naturalismo y al impresionismo, para recibir posteriormente la influencia de Kandinsky. En 1915 conoció a Piet Mondrian y a Bart van der Leck, entre otros artistas de la vanguardia holandesa, junto a los que fundó la revista ‘De Stijl’. A partir de entonces su estilo evolucionó siguiendo las teorías neoplasticistas, que defendían el uso de la línea recta y los colores primarios; sin embargo, desde 1925, Van Doesburg empezó a introducir en sus composiciones la diagonal, lo que desencadenó su ruptura definitiva con Mondrian.

Esta ‘Composición II’ pertenece a un conjunto de naturalezas muertas realizadas en 1916, que marcaron el punto de inflexión de Van Doesburg hacia la abstracción. El predominio del triángulo en este grupo de obras se ha vinculado a la influencia de Kandinsky, en cuyos escritos esta figura geométrica adquiere una especial relevancia simbólica. ... See more

La pintura de interiores de iglesias se convirtió en un género independiente en el siglo XVII y alcanzó gran popularidad. Uno de sus pioneros en Flandes fue Peeter Neeffs I, que destacó por su habilidad al plasmar el armonioso cambio de zonas de luz a sombra gracias al uso de suaves gradaciones de color en los espacios de transición.

En este ‘Interior de una iglesia gótica’ (1615-1616), Neeffs ha elegido un espacio estructurado con tres naves separadas por sólidos pilares que reciben los nervios de las bóvedas. Con los elementos constructivos y un dibujo limpio va creando una profunda perspectiva, a la que contribuye eficazmente el enlosado del suelo y la sucesión de espacios abovedados. Una luz blanquecina se filtra por las ventanas laterales e inunda el espacio, resaltando las dimensiones y profundidad del edificio. Como en muchas de sus obras, el pintor se inspira en iglesias conocidas, muy especialmente en la catedral de Amberes, y centra su atención en los espacios arquitectónicos, dejando a otros colaboradores la ejecución de las pequeñas figuras que pueblan sus pinturas. #ArquitecturasPintadas ... See more

Durante las dos primeras décadas del siglo XX, el norteamericano Frederick Carl Frieseke se recluyó en una casa próxima a la residencia de Monet en Giverny. No le interesaban ni la vida urbana ni el arte moderno, y optó por perpetuar una visión impresionista más propia de finales del siglo XIX mucho después de que el propio Monet hubiera modificado notablemente sus métodos y objetivos. Nacido en Owosso, Michigan, Frieseke cursó sus estudios artísticos en Chicago y Nueva York, y en 1898 viajó a Francia donde, salvo breves visitas a los Estados Unidos, permaneció hasta el fin de su vida. Falleció en Normandía, en la granja en la que se había instalado en 1922, hace justamente 80 años, #taldíacomohoy de 1839.

En una entrevista, en 1914, afirmó: “Mi único propósito al pintar es reproducir flores iluminadas por la luz del sol. No quiero sugerir el detalle mediante la forma cuando pretendo que aquel detalle se mantenga en el grado máximo posible de su pureza; si lo hiciera así, el efecto del brillo se perdería. No cabe duda de que la fuerza de los pigmentos tiene un límite y el pintor solo puede aspirar a producir relativamente la impresión de naturaleza. Aunque puedo ver un resplandor de luz blanca al mediodía, no lo puedo representar literalmente (…).” Este pequeño óleo sobre tabla, ‘La casa en Giverny’ (h.1912), en sus apenas 27 x 35 cm de superficie, es todo un manifiesto de la forma de entender la pintura de este artista norteamericano de nacimiento y francés de adopción, que se mantuvo siempre fiel a los principios del impresionismo, y de cómo supo captar con pinceladas quebradas el resonante brillo de una escena bañada por el sol. ... See more

La silueta de un castillo que parece reproducir el perfil de las montañas del fondo en el centro de la composición y las formas difuminadas - apenas perceptibles en una visión general del cuadro- de una pequeña ciudad a orillas de un río son, prácticamente, los únicos elementos que nos hablan de la huella del hombre en este imponente paisaje montañoso.

El artista flamenco Roelandt Savery está documentado en Praga en 1604, donde trabajó para el emperador Rodolfo II. Uno de sus encargos fue realizar una serie de vistas topográficas del Tirol, ocupación en la que estuvo centrado entre 1606 y 1608. Este ‘Paisaje montañoso con un castillo’ (1609) es la única vista conocida del pintor inspirada directamente en ese trabajo. La impresionante naturaleza del lugar, con sus densos bosques y cumbres elevadas, es sin duda la protagonista del cuadro, pero llama la atención la forma en la que esos vestigios de la presencia humana se integran en el paisaje y el detalle con el que el artista los representa, solo apreciable a través de estos fragmentos ampliados. #ArquitecturasPintadas ... See more

La ligera muselina de sus vestidos, la calidad transparente del encaje, el balanceo de sus faldas o las flores que adornaban sus cabellos… Las mujeres retratadas por Goya estaban llenas de gracia y encanto, y todos estos detalles fueron durante mucho tiempo una importante fuente de inspiración para Balenciaga. El maestro buscaba la modernidad en el reflejo del pasado y, a pesar de su complejidad, de sus largas faldas y talles ceñidos, los vestidos diseñados por él resultaban extraordinariamente cómodos para sus clientas.

El maravilloso traje de novia, en encaje de seda y tul de viscosa, realizado en 1948 para Mª Victoria de León, el vestido negro de cóctel en encaje de seda y tafetán con lazos de raso de María Berta Torrente de Giménez-Arnau (h.1963), o el conjunto de vestido y capelina de encaje mecánico y crin y tafetán de seda, de la col.lecció Antoni de Montpalau (h.1962-1963), son algunos de los ejemplos reunidos en la sala dedicada a la influencia de Francisco de Goya en la obra del diseñador español.

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Tules y encajes, línea imperio, aire ‘goyesco’… Otro de los pintores clave en el imaginario de Cristóbal Balenciaga fue sin duda Francisco de Goya, y no solo por la estética de los vestidos y complementos que lucen sus modelos, sino también por su manejo del color y su manera de transformar las formas en manchas tonales, que en las creaciones del modisto vasco se traduce en acertadas armonías cromáticas.

El vestido de noche en satén verde claro con perlas y abalorios y el cuadro 'La reina María Luisa con tontillo', o el retrato de 'La duquesa de Alba de blanco' y el vestido de cóctel en organza de seda espolinada y terciopelo, son algunos de los emparejamientos destacados en esta sección de la exposición ‘Balenciaga y la pintura española’.

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La combinación de edificios reales con otros inventados fue un recurso frecuente entre los paisajistas flamencos del siglo XVI. Muchos viajaron a Italia, visitando lugares emblemáticos y escenarios naturales, de los que tomaban apuntes que utilizarían después en sus pinturas.

‘Vista de un puerto fluvial con el Castillo de Sant’Angelo’ es un magnífico ejemplo. El artista, muy posiblemente Joos de Momper, reproduce en él una vista pintoresca de una aldea en la ribera de un río, incluyendo como elemento destacado en el centro de la composición la inconfundible silueta del famoso monumento romano. Con un punto de vista elevado y un dibujo preciso, el autor describe todos los detalles del paisaje, con sus casas de arquitectura popular y los personajes que las habitan, transmitiendo la idea de profundidad a través de sus distintas escalas pero también por medio del color, desde los primeros planos de tonalidades terrosas hasta las gamas blanquecinas del fondo, pasando por toda una gradación de verdes y azules. Esta forma de construir el paisaje característico del manierismo de finales del siglo XVI va evolucionando progresivamente, a lo largo del XVII, hacia un paisajismo más naturalista; transición de la que Joos de Momper fue uno de sus principales protagonistas. #ArquitecturasPintadas ... See more

En su última etapa parisina, que acabó con el cierre de su casa en París en 1968, Balenciaga diseñó revolucionarias arquitecturas en sus vestidos, particularmente, en sus trajes de novia. Un minimalismo conceptual y técnico que se evidencia en piezas realizadas con tejidos de cierta rigidez como el gazar, un tejido liso de seda, o la ciberlina, una tela suave de lana con pelo brillante, hecho de una mezcla de fibras blancas del tipo de la angora o con fibras brillantes. Con ellos, el modisto creó inolvidables siluetas de volúmenes geométricos, algunos de cuyos mejores ejemplos se reúnen en este espacio de la exposición ‘Balenciaga y la pintura española’, en un duelo de blancos, formas y texturas con los hábitos de los frailes inmortalizados por Zurbarán.

El vestido para la boda de Fabiola de Mora y Aragón con el rey Balduino de Bélgica, que tuvo lugar en Bruselas en diciembre de 1960, es sin ninguna duda uno de los más destacados. Elaborado en satén de color marfil y rematado con visón blanco en la cintura y el cuello, el traje destaca por su sobriedad y elegancia, y por la majestuosidad que le confiere la original cola que cae desde el escote. Austeridad, equilibrio, proporción, innovación, atemporalidad, perfección… son algunos de los conceptos inherentes a las creaciones de Balenciaga y que se concentran en este vestido: un diseño rupturista basado en la sencillez.

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Jan Brueghel el Viejo fue un artista cotizado y reconocido en su época y durante todo el siglo XVII por el refinamiento de sus obras, caracterizadas por su particular toque de pincel, suave y elegante, con el que creó detalladas y delicadas pinturas como esta, ‘Cristo en la tempestad del mar de Galilea’ (1596). Aunque en alguna ocasión siguió la huella de su padre, Pieter Bruegel, Jan optó por un estilo personal, basado en el estudio del natural y en el que se observa la influencia de la formación recibida de su abuela, la miniaturista Maria Bessemers.

Con un punto de vista elevado, el artista nos ofrece, en este magnífico óleo sobre cobre de tan solo 26,6 x 35 cm, una amplia panorámica de la costa en la que combina elementos inventados con otros reales, como la fortaleza que sitúa en una isla, en el centro de la pintura, y que se corresponde con un apunte del castillo dell’Ovo, en Nápoles, realizado durante su estancia en la ciudad italiana. La minuciosidad y la calidad de su pincelada se observa en cada uno de los minúsculos detalles que pueblan la pintura, entre los que sin duda sobresale la delicadeza con que dibuja los edificios de la gran ciudad que descubrimos al fondo, a los pies de una bahía, y la forma con la que crea el efecto de profundidad, mediante una sutil gradación de verdes, grises y azules. #ArquitecturasPintadas ... See more

Nacido #taldíacomohoy de 1894, Christian Schad ha pasado a la posteridad como el gran retratista de la sociedad alemana de entreguerras.

Schad recibió en su familia una rica formación cultural y artística que fomentó su temprano interés por la música y la pintura. Durante la Primera Guerra Mundial se traslada a Zúrich, donde entra en contacto con los círculos dadaístas y experimenta con la técnica del collage. Al finalizar la contienda se marcha a Italia y su carrera experimenta un giro decisivo. El contacto con los maestros clásicos y el pesimismo en el que se vio inmerso tras la guerra transforman su forma de entender el arte y empieza a pintar de un modo más realista y sobrio, mostrando el carácter alienado del ser humano y su aislamiento de la sociedad.

En 1928 regresa a Alemania, se instala en Berlín y un amigo periodista le introduce en el salón político-literario de los Haustein, uno de los más célebres centros de reunión de destacadas personalidades del momento. Ese mismo año pinta a su anfitrión, el doctor Hans Haustein, un prestigioso dermatólogo al que vemos aquí retratado con una minuciosa pincelada, que responde a la obsesión de Schad por captar los más mínimos detalles con la máxima exactitud, y una particular nota de misterio, con esa extraña silueta proyectada en el fondo que recuerda a las sombras del cine expresionista.

Aunque por su precisión realista y proximidad estilística podría incluirse entre los artistas de la Nueva Objetividad, él siempre negó cualquier lazo con esta tendencia. ... See more